Questo articolo esplora proprio questa idea: il graphic design come pratica di ascolto, traduzione e adattamento, capace di rendere le cose più chiare e adatte a chi le usa.

Immaginate di entrare in uno spazio nuovo: un aeroporto, un museo, un cinema o anche solo una sala d’attesa. Prima ancora delle parole, è il design visivo a parlare: indica, orienta, accoglie. Ci aiuta a capire dove siamo, cosa fare, come muoverci.
In ognuno di questi luoghi, la grafica è una forma di comunicazione che lavora in silenzio per facilitare l’esperienza. Cambiano i contesti, ma il principio resta lo stesso: il design semplifica e collega.

“Non è bello ciò che è bello, ma è bello ciò che piace.”

Questa frase, così semplice e popolare, racchiude un’idea potente: la bellezza è soggettiva. E da qui nasce una delle grandi ambiguità che circondano il graphic design, soprattutto quando viene ridotto a mero esercizio estetico. 

Il graphic design è, primariamente, uno strumento funzionale che facilita la comprensione, l’orientamento, l’accesso all’informazione. Questo non toglie valore alla sperimentazione (quella che mi piace chiamare “grafica per grafici”) né alla sua componente più espressiva e artistica. Ma è un altro campo. Oggi vogliamo parlare di grafica utile, quella che ci aiuta quando siamo immersi in un luogo nuovo e, senza bisogno di parole, ci mostra con chiarezza dove andare, cosa fare e con chi ci stiamo relazionando.

Il design come pratica di ascolto 

Essere graphic designer oggi significa ascoltare, tradurre, adattare, facilitare.
L’ascolto è il primo passo di ogni progetto. Che sia un ascolto letterale, come la voce di un cliente, di una comunità, di uno specifico pubblico, o più intuitivo, rimane comunque un momento in cui “il mondo esterno” si manifesta, esprime bisogni e chiede senso. Il designer ha il privilegio e la responsabilità di fare da mediatore tra necessità e soluzioni, trasformando intuizioni grezze in forme potenzialmente universali. 

Qui entra in gioco la traduzione: un atto delicato, a metà tra ragione e sensibilità. Tradurre un contenuto in forma visiva richiede equilibrio tra conoscenza collettiva (linguaggi e simboli condivisi, semiotica e iconografia) e intuizione personale. Vedo il verde, penso alla natura. Ma forse, per raccontare la natura oggi, devo attingere a immagini nuove, contaminate da altri mondi. Perché il designer osserva tutto, continuamente, e spesso le risposte migliori arrivano da altrove.

Una volta trovata la forma giusta, serve capire se può essere adattata, cioè funzionare in contesti diversi. Un’identità visiva efficace non vive solo sul foglio bianco: deve adattarsi ai canali, ai media, agli spazi già esistenti (dal feed di Instagram alla parete di uno stand, dal sito web alla shopper di carta). Un buon design non impone la propria presenza, ma dialoga con ciò che c’è. Questo non significa che non si possa innovare da zero: oggi più che mai c’è spazio per ripensare tutto, abbattendo gerarchie visive obsolete, ridefinendo formati e modalità. E qui entra in gioco la facilitazione.

Facilitare significa ripensare il sistema, ridisegnare in base a bisogni reali, inclusivi, attuali e a  volte significa togliere, semplificare, fare spazio. Perché quando iniziamo a considerare davvero le necessità di più persone, capiamo che il design dev’essere un lavoro a livelli differenziati. 
E l’accessibilità non è solo una questione tecnica: è un atto politico, sociale, culturale. Facilitare significa rendere indipendenti. Solo quando le persone sono libere di comprendere, scegliere, muoversi e partecipare, nascono nuove idee, nuove azioni, nuove possibilità.
È così che possiamo iniziare a progettare spazi, visivi e non, che non escludano, spazi dove ognuno può sentirsi parte e non spettatore. 

“L’accessibilità riguarda la rimozione delle barriere (cognitive, culturali, economiche, sensoriali, motorie, alla rappresentazione, etc.) allo scopo di facilitare la partecipazione di quante più persone possibili.” — Maria Chiara Ciaccheri 

Progettare accessibilmente significa iniziare con il piede giusto. Significa ancorare il pensiero all’ascolto, fin dalle prime fasi, tenendo conto dei bisogni più diversi e spesso invisibili. 
Se ci fermassimo un attimo a riflettere sulle barriere che colpiscono chi vive con un alto livello di mismatch – ovvero un disallineamento tra le abilità della persona e quelle richieste per svolgere un’azione – ci accorgeremmo che nessuno ne è davvero escluso. Che sia una persona con una disabilità permanente (senza un braccio), con una disabilità temporanea (braccio ingessato) o una disabilità situazionale (avere un bambino in braccio) ci ritroveremo ad avere la stessa necessità. 

Ecco perché progettare per l’accessibilità non è solo un gesto etico, ma una scelta intelligente: il bisogno di uno può diventare il vantaggio per molti e un buon progetto è quello che semplifica la vita a tuttə. 
Nel graphic design, gli esempi sono concreti e quotidiani: il giusto contrasto tra il testo e lo sfondo, o la scelta di un carattere tipografico per un libro di 300 pagine. Sono dettagli? Forse. Ma fanno la differenza tra leggere con facilità e abbandonare un contenuto a metà. E chiunque può beneficiare di queste scelte.

Progettare accessibile: da dove partire 

Quando facciamo fatica a immaginare tutte le diversità da considerare, o non abbiamo modo di coinvolgere direttamente le persone nei processi di progettazione, possiamo comunque fare scelte consapevoli. Esistono strumenti pratici e linee guida che ci aiutano a progettare con più attenzione, evitando improvvisazioni e mantenendo alta la qualità del lavoro visivo.

Ecco alcune risorse da cui partire: 

- Cards for Humanity: uno strumento online che propone personas con esigenze diverse (abilità, età, genere, contesto). Utile per simulare scenari d’uso e individuare barriere progettuali. 

Linee guida di riferimento

- Per il digitale: le WCAG (Web Content Accessibility Guidelines) sono lo standard internazionale per l’accessibilità web.
- Per la grafica fisica e ambientale: documenti come quelli del Canadian Museum for Human Rights offrono spunti preziosi per spazi espositivi e materiali stampati.

Strumenti di verifica rapida

- Contrast Checker: verifica la leggibilità del testo rispetto allo sfondo.
- Tipometria: calcola il rapporto ottimale tra corpo del testo e interlinea.

All’inizio può sembrare che queste regole limitino la creatività. In realtà, col tempo, diventano una cassetta degli attrezzi preziosa: permettono di innovare con chiarezza d’intento e di costruire progetti solidi, leggibili e adattabili, senza rinunciare all’identità visiva.

*ART IS IN THE PROCESS 

Un esempio di sistema visivo pensato per essere chiaro, coerente e versatile è il rebranding di We Exhibit, realizzato nel 2023. 
L’identità è stata riprogettata per raccontare con più precisione l’evoluzione di We Exhibit e i suoi valori: apertura, collaborazione, trasparenza. Il nuovo logo conserva la sigla “We Ex” all’interno di una cornice aperta, che richiama tanto un quadro quanto la pianta di uno spazio espositivo. 

We Exhibit Rebranding.mp4

Le scelte visive, dai colori alla tipografia, sono studiate per garantire leggibilità, equilibrio e riconoscibilità in diversi contesti. Il sistema si adatta con naturalezza a nuove applicazioni, mantenendo coerenza e identità, proprio come nel caso del sotto-branding – ossia un’immagine coordinata che deriva da una brand identity primaria – dedicato ai corsi di formazione (vai al corso "Progettare per le persone: allestimenti accessibili."
Un progetto che dimostra come l’accessibilità possa diventare principio guida dell’identità, senza sacrificare personalità o riconoscibilità. 

Perché, alla fine, il graphic design non è solo ciò che si vede. È ciò che permette di vedere, di capire, di orientarsi, di sentirsi parte. In un mondo sempre più complesso, progettare con cura e responsabilità significa costruire ponti tra le persone e abbattere le distanze, facilitando incontri.

Questa è la sfida che oggi chiama chi fa design.

Francesca Martini - Graphic Designer

Grafica, accessibilità e ascolto: la responsabilità del design visivo

Condividere quello che abbiamo imparato, raccontare i dietro le quinte e i perché alla base di scelte espositive e progettuali: benvenuti nel nostro magazine. Gli articoli che proponiamo sono un modo per sviluppare uno sguardo più attento, critico ma anche curioso a partire dalle riflessioni di chi lavora in We Exhibit, e di altri professionisti ed esperte che stimiamo.

Our articles are a way to develop a more attentive, critical and curious gaze that begins with the reflections of our team, and other professionals and experts we esteem. 

Magazine | Exhibit Design | We Exhibit

Dieci anni di progetti, mostre, collaborazioni e avventure condivise. Un percorso costruito con dedizione, professionalità e crescita costante, sia umana che professionale, che abbiamo deciso di raccontare attraverso le voci di chi ogni giorno contribuisce a dare energia e valore alla nostra realtà: il nostro team.

Sei voci, sei sguardi diversi, che insieme raccontano l’anima di We Exhibit. Le loro esperienze, diverse ma complementari, si intrecciano come fili di un unico tessuto, dando vita a una narrazione che racconta sfide affrontate, traguardi raggiunti e trasformazioni che, passo dopo passo, hanno fatto crescere le persone e, insieme a loro, l’azienda. 

Qual'è il progetto che ha contribuito maggiormente alla tua crescita professionale all'interno di We Exhibit?

Diletta Tubini - Hospitality and Events Manager 

“Il progetto ‘Querini on Board’ mi ha messo di fronte a una serie di sfide completamente nuove. Per la prima volta, ho seguito un progetto in ogni sua fase, dall’ideazione fino alla rendicontazione finale. Durante le settimane di sviluppo, ho collaborato attivamente con i team Exhibit Design e Creative, acquisendo una visione più ampia e approfondita di tutto il processo.  

In questo progetto, ho assunto anche il ruolo di Project Manager per la produzione e lo sviluppo dei contenuti, un’esperienza che mi ha permesso di mettermi alla prova sotto diversi aspetti. 

Il momento in cui ho realizzato davvero il cambiamento è stato vedere l’evento prendere vita: è stata la conferma del percorso fatto. Sono particolarmente fiera di ‘Querini on Board’ perché, pur essendo nato e sviluppato in tempi brevissimi, ha portato grande soddisfazione non solo a livello personale, ma anche per il valore sociale che ha avuto per tutte le persone che ne hanno preso parte."

Francesca Martini - Graphic Designer

"Mi sono resa conto di essere cresciuta professionalmente con il mio primo progetto per We Exhibit: il riallestimento della collezione permanente al Museo di Scienze e Archeologia di Rovereto. Mi sono occupata dell’identità visiva del riallestimento, che è in corso dal 2021, e il mio primo incarico è stato l’allestimento della sezione di Botanica. Per creare uno spazio immersivo, ho proposto una carta da parati con grandi illustrazioni botaniche. 
Ero entusiasta dei disegni, ma la vera sfida è stata preparare i file di produzione per le pareti alte quattro metri."

"Non avevo mai lavorato con stampe di queste dimensioni, e assicurarmi che ogni illustrazione fosse perfetta è stato impegnativo. Alla fine, però, il risultato è stato approvato da tutti i coinvolti (e anche dai visitatori!)"

Il rinnovato edificio del Planetario presso la Fondazione Musei Civici Rovereto © Fondazione Musei Civici Rovereto

Valentina Chiesi - Head of Exhibition Design

"A Storm is Blowing from Paradise di Oscar Murillo alla Scuola Grande della Misericordia nel 2022. Sono entrata all’interno del progetto relativamente tardi. Dovevo supportare la mia collega Laura che stava gestendo il progetto mentre era in ferie. 
La mostra apriva agli inizi di settembre, era già la fine di luglio e dovevamo trovare una soluzione per appendere una cinquantina di enormi tele all’interno dello spazio immenso e stupendo della Scuola Grande della Misericordia, rispettando le sfide che solo una location veneziana può presentare. Sembrava un’impresa impossibile con agosto alle porte e senza aver ingegnerizzato un sistema.

Non so bene come sia accaduto ma alla fine ce l’abbiamo fatta, è stato un perfetto lavoro di squadra sia interno che dei nostri collaboratori esterni. Io e la mia collega avevamo programmato il cantiere nei minimi dettagli, gli spazi interni, le logistiche, le fasi ora per ora, l’allestimento era immenso e avevamo solo 6 giorni.

Come una perfetta danza tutto si muoveva e l’allestimento prendeva forma. Quando, alle 10 di sera, l’ultima barca con i materiali ha lasciato il cantiere, eravamo esauste ma piene di entusiasmo. Ci siamo concesse un Margarita al Messicano per festeggiare un traguardo che sembrava impossibile, ma che abbiamo raggiunto insieme!"

"Quando, alle 10 di sera, l’ultima barca con i materiali ha lasciato il cantiere, eravamo esauste ma piene di entusiasmo."

"A Storm is Blowing from Paradise", 2022 © Oscar Murillo

Tommaso Sartori - AVL Specialist

"A Storm is Blowing from Paradise é stato il primo progetto complesso (vagamente mastodontico) in cui mi sono occupato in modo indipendente dei vari aspetti AVL, dalla progettazione di un cubo di 8x8m con proiezioni immersive ed interattive al suo interno fino al coordinamento dei vari eventi di opening/closing party con musica Live, talks, una sfilata su passerella ed apprezzabilissimi open bar.

Il tutto è stato realizzato (e smantellato poi) in tempi strettissimi e la coordinazione tra le varie componenti dell’allestimento è stata cruciale, sia tra le risorse interne a We Exhibit sia con i numerosi fornitori coinvolti.

Sono stato estremamente soddisfatto del mio lavoro ed è stato un vero piacere ricevere l’apprezzamento dell’artista e del suo team, oltre ad aver avuto l’occasione di conoscere moltissime persone, spaziando da efficenti elettricisti nostrani fino a simpaticissimi musicisti colombiani.”

Maria Bagnara - Project Manager 

"Lavorare alla produzione del catalogo di mostra per il Padiglione dell’Arabia Saudita alla 18ª Mostra Internazionale di Architettura – La Biennale di Venezia è stata un’esperienza particolarmente sfidante. Per la prima volta, ho avuto l’opportunità di contribuire alla realizzazione editoriale di una pubblicazione bilingue (arabo e inglese) con autori internazionali.

Ho dovuto imparare rapidamente a gestire la complessità del coordinamento tra contenuti curatoriali, aspetti grafici, revisioni bilingui e logistica di stampa e distribuzione.
Gran parte del lavoro si è svolta “sul campo”, imparando giorno dopo giorno a trovare soluzioni concrete.

Questo progetto mi ha permesso di esplorare il settore dell’editoria valorizzando le mie competenze di arabista. Collaborare con curatori, grafici, traduttori, editori e rappresentanti istituzionali ha richiesto un ascolto attivo e una capacità di mediazione che, in questa occasione, sono emerse in modo particolarmente consapevole e determinato.

La soddisfazione più grande è stata partecipare alla pubblicazione di un catalogo capace di restituire la profondità della ricerca e del concept curatoriale di Irth. Seguire l’intero processo produttivo mi ha consentito di arricchire il mio percorso con un’esperienza significativa, che mette in gioco molte delle competenze che desidero continuare a sviluppare: progettualità, sensibilità editoriale e capacità di lavorare in contesti complessi e internazionali."

IRTH إرث, catalogo di mostra, 2023, @ Alvise Busetto

Cecilia De Gasperi - Head of Communication 

Il progetto che mi ha fatta crescere di più professionalmente e personalmente è la gestione della comunicazione aziendale. La comunicazione in We Exhibit veniva gestita in maniera spontanea da colleghi e colleghe che avevano una naturale propensione al mondo del visivo e dei social. 
Grazie al grande contributo di una nostra ex collega, abbiamo aperto, in quest’ordine, una pagina Facebook, un sito e un account Instagram. 
Il mio coinvolgimento nella comunicazione aziendale è nato a settembre del 2019 dalla mia incapacità a dire di “no”. 

La comunicazione si basa sulla pianificazione a medio e lungo termine, guarda una target audience, parla di mission e vision con un tone of voice concordato e si sviluppa all’interno di una strategia e di obiettivi da raggiungere. Ho imparato tutto questo frequentando dei brevi corsi online, perché la gestione spontanea, ammetto, non è proprio il mio forte. Ho cercato i nostri competitor e analizzato il loro modo di comunicare. Sono passata poi allo studio di realtà benchmark, da cui prendere spunto.  

Sono partita senza competenze specifiche, imparando facendo, ma non avrei mai potuto immaginare di fondare, un giorno, l’Area Comunicazione, se non avessi creduto sinceramente e profondamente nel contenuto che veicolavo.  

Ho creato brief creativi e tecnici, coordinato fotografi e video maker imparando dai loro occhi. Ho gestito un rebranding aziendale, coordinando uno studio di web design e un web developer alla ricerca di una forma tangibile e condivisa con cui restituire le idee dei soci fondatori nella nuova piattaforma. Ho collaborato con una advisor, supportato nella creazione di obiettivi SMART, creato profili di buyer personas più in linea con il nuovo target da raggiungere e consolidato una strategia. Sono partita da sola; adesso siamo in tre a creare, pianificare e gestire i contenuti."

"Parlare di We Exhibit è parlare di noi, di me, di valori condivisi e non scontati, di un team nel quale credo e che stimo molto. [...] non avrei mai potuto immaginare di fondare, un giorno, l’Area Comunicazione, se non avessi creduto sinceramente e profondamente nel contenuto che veicolavo."

Shooting di prodotto, 2024 @ Alvise Busetto

Parlando del futuro, delle tue ambizioni e dei tuoi interessi, con chi ti piacerebbe collaborare attraverso We Exhibit? 

Diletta: "Per continuare il mio percorso di crescita all'interno di We Exhibit, mi piacerebbe collaborare a progetti che abbiano un impatto tangibile sul territorio e sulle comunità, come quelli legati ai musei. 
Credo nel loro ruolo di custodi di storie e identità, e nella loro capacità di creare connessioni attraverso collezioni permanenti rilette in chiave contemporanea e mostre temporanee che permettono alle persone di riscoprire il proprio patrimonio culturale.	
Allo stesso tempo, vorrei approfondire il mio percorso come PM, avvicinandomi maggiormente al mondo ispanico. Ho un legame speciale con questa cultura, che sento affine in modo unico, e mi piacerebbe lavorare con artisti o istituzioni che ne rappresentino le diverse sfaccettature. 
Poter contribuire alla realizzazione di progetti che uniscano questi due aspetti sarebbe per me una crescita significativa, sia a livello professionale che personale."

Valentina: "Scegliere non è mai semplice, ma al momento penso Desert X AlUla! Dopo aver vissuto l'emozionante esperienza all'Islamic Arts Biennale di Jeddah, ho avuto l'opportunità di immergermi nel vibrante e dinamico panorama artistico dell'Arabia Saudita. Affrontare un progetto all'estero, in un contesto paesaggistico così vasto e affascinante come il deserto, rappresenta una sfida elettrizzante."

Francesca: "Musei civici di Firenze - perchè sono luoghi incredibili ma orribilmente raccontati."

Maria: "Mi piacerebbe lavorare con Sadik Kwaish Alfraji, artista Iracheno." 

Tommaso: "Ogni tipo di progetto che includa tecnologie AVL all’avanguardia mi entusiasma, perchè mi permette di conoscere nuove soluzioni sia hardware che software, in particolare mi piacerebbe avere a che fare con situazioni più “live” e meno installative. Ammetto che spesso mi appassiona di più il processo di realizzazione, dalla progettazione al fine-tuning, rispetto all’effetto finale che si ottiene, e il “live” secondo me è in qualche modo una realizzazione continua."

Cecilia: "Mi piacerebbe collaborare con il mondo della moda e supportare qualche brand nelle loro missioni artistiche. Ci sono molti brand che stimo (il gruppo Prada, Bottega Veneta, Ann Demeulemeester, Acne Studios, da poco, con il lancio della linea "2 - Prodotti Intangibili" da parte di Glen Martens, anche Maison Margiela…) che già sfruttano molto le sinergie del mondo dell’arte e la loro audience per creare progetti culturali e artistici di rilievo."

Dietro le quinte de "Le Litanie della Vergine", 2025 @ Alvise Busetto

Queste sono solo alcune delle storie che animano la nostra azienda e siamo pronti, non vediamo l'ora di raccontarvene di nuove nei nostri futuri contenuti.
Per conoscere e scoprire tutti i nostri progetti, vi invitiamo a navigare all’interno del nostro sito e a seguire i nostri racconti sui canali social.

Il team We Exhibit

Dieci anni di We Exhibit: la voce del nostro team

Chi ha visitato almeno una volta la Biennale di Venezia lo sa: è un’esperienza totalizzante. Stimolante, intensa, a tratti persino sfidante. Con così tanti padiglioni, installazioni e un calendario fitto di eventi, si ricevono moltissimi stimoli, e può diventare complicato orientarsi.

In questo contesto, la qualità della visita non dipende solo da ciò che viene mostrato, ma soprattutto da come questi contenuti vengono percepiti e vissuti. In un contesto carico di stimoli, calibrare l’esperienza di visita tra la curiosità di apprendere e conoscere e le proprie esigenze fisiche e mentali diventa fondamentale.  

In questa guida vi raccontiamo dieci padiglioni che abbiamo avuto il piacere di produrre per l’edizione 2025 della Biennale, all’interno dello spazio espositivo dell’Arsenale. 
Dopo aver visitato a nostra volta tutta l’area espositiva, vi proponiamo un percorso fatto di linguaggi, atmosfere e storie diverse, pensato per accompagnarvi in un’esperienza di visita più consapevole. Una chiave di lettura - e di visita - che mette in primo piano le persone e le loro percezioni e esigenze, che ci auguriamo possa aiutarvi a creare un itinerario di visita bilanciato.

Padiglione Kosovo – “Sentire” il futuro

La visita all’interno del Padiglione Kosovo parte dal corpo. Qui non si guarda soltanto: si cammina, si respira, si annusa. L’olfatto diventa il senso guida, accompagnandoci alla scoperta di un’installazione sospesa composta da un sistema di tubi che diffonde odori richiamando stagioni, terreni e presenze. 

In un’epoca in cui i cicli della natura sono sempre più imprevedibili e i dati non bastano più, questo progetto propone un archivio alternativo: un database sensoriale fatto di profumi, sensazioni tattili e silenzi. Il visitatore è invitato a rallentare, sintonizzarsi con l’ambiente e leggere il paesaggio attraverso i sensi. 

Padiglione Kosovo, Biennale Architettura 2025

Padiglione Marocco  – Toccare il Tempo 

Un altro progetto che stimola l’area sensoriale è il Padiglione Marocco. 
Qui tradizione e innovazione si incontrano in un dialogo virtuoso: il progetto esplora come le antiche tecniche costruttive possano intrecciarsi con le tecnologie digitali contemporanee, ridefinendo il concetto di intelligenza collettiva nel processo architettonico.

Il Padiglione si presenta come un’esperienza individuale. Il visitatore è invitato, dal layout dell’installazione, a creare un proprio percorso di visita intrecciandosi intorno a tante colonne che confinano camminamenti abbastanza stretti, un dedalo di superfici da sfiorare, texture da esplorare e proiezioni digitali che animano gesti, strumenti e rituali ancestrali. 

A rendere la narrazione ancora più coinvolgente contribuisce la presenza di ologrammi che danno voce e corpo a due artigiani marocchini — protagonisti silenziosi di un ricco patrimonio tecnico e culturale condiviso.

Padiglione Marocco, Biennale Architettura 2025

Padiglione Messico  – Odori, profumi e connessioni 

Anche nel Padiglione Messico è il corpo a guidare la visita.
Chi visita è accolto in un paesaggio da attraversare lentamente: si cammina lungo i bordi di piccole isole coltivate — le chinampas — immerse in un ambiente vivo, ma al chiuso.

Il progetto racconta i cicli della natura, la biodiversità e la resilienza, ma soprattutto offre l’opportunità di rallentare, lasciando spazio a una percezione più profonda e attenta. La sensazione è quella di trovarsi in un giardino raccolto, dove il tempo si allunga e i sensi si risvegliano: l’aria è densa, il verde avvolge, mentre l’umidità e i profumi della vegetazione stimolano olfatto. 

Intorno all’installazione, aree di sosta e zone d’ombra offrono spazi di decompressione, dove il corpo può fermarsi, respirare e rigenerarsi, trasformando la visita in un momento di vera connessione con l’ambiente.

Padiglione Messico, Biennale Architettura 2025

Padiglione Oman – Spazi che accolgono 

Il Padiglione Oman offre un’esperienza di visita libera e senza confini: nessuna porta, nessun percorso obbligato. Lo spazio si apre in ogni direzione, lasciando al visitatore completa libertà di entrare, sostare o muoversi come desidera.

Al centro si trova un’installazione attraversabile da ogni lato, circondata da panche che favoriscono un momento di pausa e condivisione. Realizzato in alluminio traforato che richiama i motivi tradizionali omaniti, il progetto unisce radici culturali e contemporaneità, trasformando lo spazio in un luogo civico dove fermarsi non è solo una pausa, ma un momento essenziale dell’esperienza.

L’ispirazione nasce dalle “sablat”, gli spazi tradizionali delle case omanite dedicati all’accoglienza e agli incontri familiari e comunitari, offrendo un’esperienza che valorizza la socialità e la connessione tra le persone.

Padiglione Oman, Biennale Architettura 2025

Padiglione Cina – Co-esistere con i sensi 

Il Padiglione Cina accoglie i visitatori con un allestimento ampio, progettato per offrire piena libertà di esplorazione. 
La disposizione aperta invita a costruire un percorso personale attraverso una sequenza di installazioni che alternano stimoli visivi e sonori. 

L’ingresso sorprende con una struttura scintillante, evocativa, che introduce il tema della coesistenza culturale su cui si basa il Padiglione. 
Camminando tra ambienti immersivi e suoni avvolgenti, la visita si trasforma in un’esperienza sensoriale, grazie all’interazione con installazioni che parlano linguaggi differenti.

Padiglione Cina, Biennale Architettura 2025

Padiglione Uzbekistan – Tracce di memoria 

Anche nel Padiglione Uzbekistan l’esperienza di visita è libera e senza percorsi prestabiliti: all’interno dello spazio espositivo il visitatore ha l’opportunità di scegliere autonomamente da dove iniziare e come muoversi. La maggior parte delle opere sono visibili da ogni angolazione, lasciando spazio alla curiosità personale e all’interazione spontanea. 

La mostra raccoglie frammenti originali della struttura, elementi architettonici reinterpretati e oggetti creati appositamente, che trovano nuovo significato grazie all’allestimento e all’atmosfera del luogo. Il progetto rende omaggio al Sun Institute of Material Science, uno dei più grandi forni solari al mondo, costruito nel 1987 con finalità militari e scientifiche.

Riletto attraverso il linguaggio dell’arte e dell’architettura, questo simbolo si trasforma oggi in un messaggio di sostenibilità e cultura, invitando il visitatore a riflettere sulle tracce del passato e sul futuro possibile.


Padiglione Uzbekistan, Biennale Architettura 2025

Padiglione Turchia e Padiglione Filippine – Ascoltare la terra 

Se cerchi un luogo dove rallentare e immergerti in uno spazio di ascolto profondo, il Padiglione Turchia ti accoglie con un’atmosfera intima e avvolgente. 
Al centro, una grande installazione invita a soffermarsi, mentre le postazioni dedicate all’ascolto creano momenti di silenzio e contemplazione, lontani dal ritmo frenetico del percorso esterno. 

In questa edizione della Biennale Architettura, la Turchia propone un’esperienza multisfaccettata che esplora la terra attraverso linguaggi sensoriali, scientifici e artistici, invitandoti a riscoprire, reinterpretare e immaginare questo elemento essenziale da molteplici prospettive. 

Padiglione Turchia, Biennale Architettura 2025

Anche il Padiglione Filippine invita a un ascolto attento e a una comprensione profonda attraverso la lettura del suolo. Qui il suolo è riconosciuto come un elemento vivo e potente, capace di rimodellare aspirazioni e soluzioni architettoniche. 

Postazioni dedicate all’ascolto e didascalie accompagnano la visita, guidandoti in un’esperienza sensoriale che risveglia la consapevolezza del profondo legame tra terra, cultura e architettura.

Padiglione Filippine, Biennale Architettura 2025

Padiglione Cile – Silenzi nel buio 

Se si arriva al Padiglione del Cile dopo aver camminato all’aperto, spesso sotto il sole caldo e tra la folla dei padiglioni, si viene accolti da un’atmosfera completamente diversa.
Si entra in uno spazio avvolto nel buio totale, che invita subito a ricalibrare lo sguardo riposare gli occhi. Una luce verde soffusa accompagna il percorso, guidando senza mai imporre. 

Il progetto mette in scena il valore della tavola rotonda, simbolo di dialogo e confronto politico, fondamentale nei processi partecipativi ambientali in Cile.
Attraverso la luce e l’organizzazione dello spazio, si esplorano le tensioni tra tecnologia e territorio, tra Stato e comunità, e tra intelligenza artificiale e corpi materiali che la sostengono, invitando il visitatore a un ascolto attento e consapevole.

Padiglione Cile, Biennale Architettura 2025

Padiglione Arabia Saudita – Luce e calma

Dopo aver attraversato padiglioni immersi in atmosfere cupe e luci soffuse, il Padiglione dell’Arabia Saudita si apre con un ambiente luminoso dai toni chiari, capace di risvegliare dolcemente la vista. Qui la luce, diffusa e piacevole, favorisce un passo più lento e un abbandono a un’esperienza di calma.

All’interno, un labirinto di corridoi avvolgenti è creato da pareti di tessuti tesi a ricoprire una struttura; le superfici ornate da dettagli ricamati catturano lo sguardo e stimolano un’osservazione profonda. Ogni elemento del progetto diventa un invito a scoprire, trasformando il percorso in un viaggio visivo ricco di significato.

Il padiglione propone una riflessione intensa sull’impatto umano sugli spazi che abitiamo e sull’evoluzione delle città, invitando a immaginare un futuro in cui architettura e natura si intrecciano armoniosamente. Un dialogo aperto e inclusivo che supera confini e culture, tracciando nuove vie per un ecosistema urbano sostenibile e condiviso.

Padiglione Arabia Saudita, Biennale Architettura 2025

Infine per migliorare ancora la tua esperienza di visita, alcuni consigli pratici: 

~ Spazi espositivi all'aperto: Durante la visita alla Biennale, potresti trovarti a camminare in aree scoperte. Preparati ad affrontare giornate calde e soleggiate, così come momenti di pioggia.

~ Camminare per lunghi tratti: La visita di tutti gli spazi espositivi richiede molte ore. Alcune zone potrebbero non essere dotate di posti a sedere o aree di riposo, quindi potresti dover camminare per diverso tempo durante la tua visita.

~ Comfort durante la visita: In alcune aree espositive ci sono percorsi di ghiaia che potrebbero non essere adatti a tutti i tipi di calzature. Indossare scarpe scomode potrebbe influenzare negativamente la tua esperienza durante la visita.

~ Postazioni di ricarica: Dato che non ci sono aree specifiche per la ricarica, ti consigliamo di portare una power bank così potrai goderti la tua visita mentre scatti tutte le foto che desideri.

~ Oltre Giardini e Arsenale: Molti Padiglioni Nazionali e altri eventi collaterali sono ospitati in magnifici edifici storici al di fuori delle aree principali. Prenditi il tempo di esplorarli mentre scopri la storia della città. 

~ Accesso alla Città di Venezia: Per visitare il centro storico è necessaria la prenotazione e il pagamento del Contributo di Accesso, salvo alcune esenzioni.

Verifica online le date e le modalità di visita. 

Ci auguriamo che la tua visita a Venezia sia indimenticabile. 
Se visiterai i progetti, non dimenticare di taggarci usando l’hashtag: #ArtIsInTheProcess. 

10 padiglioni da vivere per comprendere
- Biennale Architettura Venezia 2025

In occasione del nostro decimo anniversario, vogliamo raccontarvi una delle collaborazioni più significative e stimolanti che abbiamo avuto il privilegio di coltivare nel tempo: quella con la Venice International Performance Art Week, un progetto autoriale e visionario firmato da VestAndPage, duo artistico composto da Andrea Pagnes e Verena Stenke.
Dal 2012, questa manifestazione rappresenta un punto di riferimento internazionale per la performance art, offrendo uno spazio indipendente e profondamente consapevole, dedicato a pratiche artistiche non convenzionali e riflessioni sulle urgenze sociali e politiche del nostro tempo.

Come We Exhibit, abbiamo avuto – e continuiamo ad avere – l’opportunità di affiancare VestAndPage nella realizzazione di questo progetto, contribuendo attivamente alla produzione dell’evento. 
È una storia di collaborazione e crescita reciproca che vogliamo raccontare attraverso le voci di chi l’ha vissuta – le loro e le nostre – per condividere non solo un’esperienza creativa, ma anche il legame umano e profondo che si cela dietro l’organizzazione di un evento dal vivo nato come atto collettivo.

Come nasce il progetto della Venice International Performance Art Week? 

Andrea Pagnes – VestAndPage: All’inizio del 2012, grazie a conoscenze comuni, incontro Rene Rietmeyer, da poco insediatosi a Venezia con la Global Art Affairs Foundation. Sapendo che con operiamo prevalentemente negli ambiti della performance art e della Live Art, mi propone di utilizzare una delle sue location – Palazzo Bembo – per realizzare un evento dedicato a queste pratiche artistiche. 

Le uniche condizioni? Che fosse un evento di respiro internazionale, coinvolgesse la città, ricevesse attenzione mediatica e fosse un successo. E così è stato.

Nel 2014, Rietmeyer ci propone un’altra delle sue sedi, Palazzo Mora: architettonicamente più adatto alla nostra visione di evento performativo, ovvero un progetto articolato in un programma di live performance e in una mostra documentale che accoglie performer affermati ed emergenti, selezionati per la loro adesione etica al concept specifico di ogni edizione, sempre incentrato sulle urgenze sociali e politiche del presente.

Com’è nata la collaborazione con We Exhibit?


AP – VestAndPage: La collaborazione con Davide, Giovanni e Nicolas è iniziata proprio nel 2012. All’epoca non erano ancora We Exhibit, ma parte del team della Global Art Affairs Foundation. 
Mi sono entrati nel sangue subito: professionali, capaci, appassionati, simpatici. Credo sia stato reciproco, anche per Verena. 
Grazie a loro abbiamo poi stretto legami sia professionali che di amicizia con altr* ragazz* che sarebbero poi entrate in We Exhibit, come Giorgi De Santi e Arianna Grosso.

Giovanni Dantomio – We Exhibit: Nel 2012 We Exhibit non esisteva ancora. Eravamo io, Davide e Nicolas a Palazzo Bembo. Durante l’estate conosciamo Andrea e Verena, che ci presentano il progetto: Jan Fabre, Marina Abramović, Yoko Ono…
Non vedevamo l’ora di collaborare con artisti che hanno fatto – e fanno – la storia dell’arte. 
Finita la Biennale di Architettura, avevamo a disposizione tecnologia e spazio. Ci sembrava naturale metterli al servizio di questo progetto.
All’opening, il palazzo fu letteralmente invaso. Fu lì che capimmo di essere parte di qualcosa di straordinario.
Quella sera, Andrea mi prese da parte – anzi, in braccio! – e mi disse: “Qualsiasi cosa farò a Venezia, vorrò farla con voi.” E così è stato.

Cecilia De Gasperi – We Exhibit: Nel 2016 ho partecipato come volontaria all’organizzazione della Venice International Performance Art Week, edizione Fragile Body – Material Body.
Dopo averci introdotti ai curatori e allo spazio, a ciascun volontario vennero assegnati due artisti da assistere, dall’arrivo in aeroporto fino alla realizzazione delle rispettive performance nelle giornate calendarizzate. Una delle nostre mansioni era aiutare l’artista a reperire localmente i materiali necessari alla propria performance e in loco eravamo supportati dal team di We Exhibit. 

Cosa significa stare dietro le quinte di un evento di performance dal vivo? Qual è la parte che vi stimola di più?

GD – We Exhibit: La cosa più stimolante, specie alla Venice International Performance Art Week, è far parte di una grande famiglia internazionale che partecipa a eventi di performance in tutto il mondo, condividendo ricerca, workshop e residenze. 
Personalmente mi piace molto assistere alle prove delle performance, cogliere le sensazioni che il palazzo trasmette agli artisti. 
Noi ci siamo abituati, ma portare queste pratiche artistiche in un palazzo veneziano del periodo barocco non è certo cosa da tutti i giorni.

In che modo il team di We Exhibit supporta lo sviluppo e la realizzazione del concept artistico nelle varie edizioni?

AP – VestAndPage: Senza We Exhibit non esisterebbe la Venice International Performance Art Week.
È la filosofia del lavoro di squadra e la dedizione alla causa che le ha permesso di crescere e resistere nel tempo, rimanendo un artist-run project a costo zero. 
Quello che Verena e io immaginiamo, ciò che gli artisti richiedono, We Exhibit lo rende realtà. 
Giovanni, Davide, Nicola, Cecilia, Tommaso, Aldo Aliprandi (artisti e performer anche lui), tutto il team – passato e presente – ci danno sicurezza e tranquillità, poiché il tempo che abbiamo a disposizione per realizzare ogni anno l’evento in loco è davvero poco, nemmeno una settimana. Non posso non menzionare anche il supporto del team dell’European Cultural Centre, che gestisce Palazzo Mora. È una collaborazione orizzontale su più fronti che permette la riuscita di ogni edizione: ‘team-work’ è la password.

Un esempio di collaborazione particolarmente riuscita o che più vi è rimasta nel cuore? 

AP – VestAndPage: Ogni edizione ha avuto momenti speciali, dalle installazioni sceniche più complesse come quella di Martin Renteria, a The Hole di Yoko Ono, gli allestimenti video curati da Giovanni e Tommaso. 
Se penso a ciò che più mi rimane nel cuore, cito due ‘collective performance-opera’: Anam Cara: Dwelling Body (2018) e UnderScars (2022). Forse perché Verena ed io le abbiamo ideate, vissute nel corpo, performando in prima persona, insieme ai nostri più stretti collaboratori-performer, come Marianna Andrigo e Aldo Aliprandi (l’apporto della loro associazione Live Arts Cultures è altrettanto fondamentale nella realizzazione dell’evento).

Venice International Performance Art Week 2022, VestAndPage, UnderScars, Photograph by © Alexander Harbaugh

Quali competenze richiede la realizzazione di un progetto di live performance?

GD – We Exhibit: Tante competenze le abbiamo già nel team. Ma la performance ti mette sempre alla prova: ti chiede di lavorare con materiali inusuali – ghiaccio, rotoli d’erba, vasche da bagno, vetri rotti… E poi c’è il fattore live: niente è perfetto, tutto può cambiare. Servono nervi d’acciaio per reagire al volo, THE SHOW MUST GO ON!

Una performance che più vi ha messo alla prova?

GD – We Exhibit: Nelle live performance di solito le richieste sono sempre abbastanza gestibili, ma forse quella più complessa è stata quella di Enrique Jezik nel 2014: abbiamo procurato una lastra di metallo, quattro troncatrici da ferro e microfoni piezo.
Oppure la stanza dedicata a In difesa della Natura di Joseph Beuys, dove abbiamo ricreato un piccolo parco con veri alberi. Abbiamo studiato un sistema per utilizzare la quantità minima indispensabile di terra, così da non sovraccaricare il solaio della stanza.

Venice International Performance Art Week 2014, Joseph Beuys, In difesa della Natura. Photograph by © Samanta Cinquini.

CDG – We Exhibit: Uno degli artisti che seguivo durante la mie esperienza di volontaria, Alexandros Plomaritis, aveva bisogno di un piedistallo circolare rotante nero e innumerevoli frammenti di specchio. 
We Exhibit aveva procurato una decina di lastre di plexiglass specchiante spesse 5 mm. Con altri volontari, muniti di guanti, abbiamo passato giorni a romperle a mano con le pinze, attaccando nastro biadesivo a ogni frammento. 

Venice International Performance Art Week 2016, Alexandros Plomaritis, self-reflectio. Photograph by © Lorenza Cini

L’attività si era fatta così meccanica che dopo un po’ mi ero messa in un angolo riparato e cantavo per farmi passare il tempo. Aveva una vena surreale l’accostamento tra quello che cantavo e l’attività che stavo svolgendo. Credo che esista ancora qualche video intrappolato in qualche iPhone.

Quali sono gli aspetti che apprezzate maggiormente della collaborazione con We Exhibit? Esiste qualche elemento specifico che ritenete particolarmente fondamentale nel nostro approccio al lavoro insieme?

AP – VestAndPage: Sapere di poter contare su We Exhibit è un dono. Il nostro legame si è rafforzato nel tempo perché condividiamo valori profondi. Fondamentale è l’empatia che ci unisce.

Se doveste descrivere We Exhibit in una parola, quale scegliereste e perché? 

AP – VestAndPage: Efficient problem-solving. Il team di We Exhibit sa analizzare in tempo reale le situazioni complesse che l’arte contemporanea presenta, individuando sempre la soluzione più efficace.


E la Venice International Performance Art Week in una parola? 

GD – We Exhibit: Sangue. Perché è con il sangue che Andrea Pagnes scrive le sue lettere, tracciando parole che non sono solo inchiostro, ma carne viva, memoria, esistenza. E perché io stesso darei il mio sangue pur di continuare a organizzare questo evento: un atto necessario, vitale, che pulsa al ritmo dell’arte più autentica e dà una scossa di energia alla città. La Venice International Performance Art Week non si osserva, si vive — nel corpo, nell’anima, nel sangue. 

CDG – We Exhibit: Direi Umanità. Perché è il valore più profondo che Andrea e Verena trasmettono. La connessione e la complicità tra tutte le persone coinvolte che si crea solo quando si sta costruendo qualcosa insieme sulla base di valori condivisi. Il bisogno di tornare a sentirsi essere umani ed esplorarsi in quanto tali. La voglia di portare la percezione del proprio vissuto e condividerla per andare ad aggiungere un tassello nella storia collettiva di ciascuno di noi.  

Venice International Performance Art Week 2024, Photograph by © Alexander Harbaugh, European Cultural Centre (ECC) - Palazzo Mora, Venice, Italy

Un momento che vi è rimasto nel cuore delle edizioni della Venice International Performance art Week, prima di riviverne di nuovi nella prossima edizione. 

AP – VestAndPage: Ce ne sono davvero tanti, ogni anno, ma uno che porterò con me per sempre è quando Giovanni, nel 2014, alla cena di arrivederci nella casa che al tempo condivideva con Davide (quella sera a letto influenzato), si è messo a cantare a palla tutta I Will Survive di Gloria Gaynor. In sottofondo flebili suppliche di Davide dalla stanza accanto.

GD – We Exhibit: Nel 2016, durante la terza edizione della Venice International Performance Art Week – quella che concludeva la “Trilogia del Corpo” – eravamo affiancati da numerosi volontari. L’ultima sera, per celebrare la fine dell’evento, abbiamo organizzato una festa con tutti gli artisti. Avevamo acceso la musica, l’atmosfera era rilassata e piena di entusiasmo. A un certo punto mi hanno chiesto di collegare un microfono all’impianto stereo: una delle volontarie voleva cantare una canzone. Ricordo ancora con emozione quel momento di pura spontaneità, quando le note di At Last di Etta James si sono diffuse a cappella tra le stanze, lasciandoci tutti incantati e profondamente toccati.

CDG – We Exhibit: L’altalena di Franko B nel salone principale di Palazzo Mora nel 2016. Per salirci bisognava spogliarsi completamente. Io non l’ho fatto, e forse è il mio unico rimpianto. Ma l’energia di quel gesto – esporsi vulnerabili allo sguardo dell’altro, liberarsi, vivere – era qualcosa di travolgente. In quel contesto, ci si sentiva davvero liberi.

Venice International Performance Art Week 2016, Franko B, I'm Thinking of You. Photography by © Edward Smith

Non vediamo l’ora di contribuire nuovamente alla prossima edizione. 
Nell’attesa di condividere con voi tutte le informazioni, vi invitiamo a scoprire di più sul progetto della Venice International Performance Art Week e a visitare il sito dedicato. 

Progettare eventi dal vivo: la Venice International Performance Art Week

Quest'anno segna un traguardo significativo per la nostra azienda: dieci anni di attività, trascorsi velocemente tra numerose produzioni artistiche, collaborazioni e la continua ricerca di nuovi modi di raccontare la cultura attraverso gli spazi espositivi.
Anni di amicizia, impegno e, soprattutto, di crescita. 

We Exhibit è nata da un’idea condivisa, ma soprattutto da una scommessa: creare uno spazio in cui progettazione, ricerca e cultura potessero incontrarsi e trasformarsi in esperienze capaci di lasciare il segno. È stato un percorso fatto di tentativi, intuizioni ed evoluzioni, costruito grazie all’energia di chi ci ha creduto sin dall’inizio e di chi, strada facendo, ne ha arricchito il cammino. Dieci anni di mostre, sì, ma anche di legami, di idee messe alla prova, di notti insonni prima di un’inaugurazione e di quella soddisfazione unica nel vedere un’idea prendere forma. 

Con questa intervista, vogliamo aprire un album di ricordi e visioni: ripercorrere le tappe che ci hanno portato fin qui, attraverso le voci di chi ha dato a We Exhibit un nome, un’identità e un’anima. Perché la nostra storia non è fatta solo di progetti, ma soprattutto di persone.


Il nostro percorso inizia a Venezia, nel 2011, tra le suggestive sale di Palazzo Bembo. 
Nicolas arriva all’ingresso e si ferma a parlare con l’addetto alla biglietteria. Proprio in quel momento passa frettolosamente Davide, che lavora nello spazio espositivo. L’addetto lo richiama per chiedergli come gestire il curriculum che Nicolas aveva appena lasciato. 
Anche Giovanni lavora nello spazio. Per un caso fortuito, Giovanni e Davide  presenziano al colloquio di Nicolas che, il giorno successivo, inizia il suo lavoro a Palazzo Bembo.

Da un intreccio di momenti ordinari è nata una realtà solida, cresciuta con visione e determinazione. Oggi, celebriamo un percorso fatto di creatività, progettualità e innovazione, guardando al futuro con la stessa energia del primo giorno.

Qual è stato il vostro primo pensiero, reazione o sentimento quando avete realizzato che l’azienda era ufficialmente registrata?


Giovanni Dantomio: Il Notaio quel giorno ci disse che era molto bello che fossimo così giovani e che volessimo fare qualcosa insieme, ma che la cosa più difficile era andare d’accordo nel lungo periodo. In quel momento ho pensato che quel semplice concetto di “andare d’accordo” nella sua banalità, racchiudesse il segreto per il successo. Credo che al lungo periodo ci dobbiamo ancora arrivare. 


Negli anni ci sono stati sicuramente dei momenti in cui siamo andati più e meno d’accordo ma alla fine ogni decisione ci ha portati qui perché ognuno di noi, quando necessario, ha saputo mettere da parte la propria visione individuale per il bene comune di We Exhibit.

In quel momento ho pensato che quel semplice concetto di “andare d’accordo”, nella sua banalità, racchiudesse il segreto per il successo. 

We Exhibit: dalla richiesta all’opportunità



Superato il panico iniziale, avviare l’azienda non è stato solo un atto di passione, ma una scelta necessaria. La volontà di strutturare in modo efficace dei processi molto variegati e l’ambizione di cambiare le regole del gioco, cercando un approccio trasversale alla progettazione e alla produzione, sono sono stati i motori che hanno portato alla nascita di We Exhibit.



Cosa vi ha spinto a fondare We Exhibit dieci anni fa? Era un sogno, un’intuizione o una necessità?


Nicolas D'Oronzio: Tutto nasce dall’osservazione. È iniziato tutto nel pieno della fase di preparazione della mostra di architettura a Palazzo Bembo nel 2012. Stavamo raccogliendo informazioni da parte degli espositori, confrontandoci con le dinamiche veneziane e gestendo i lavori nella sede espositiva. In tutto questo la comunicazione e la diplomazia erano fondamentali per la buona riuscita dei progetti. 

A quel tempo non avevamo ricevuto una struttura a livello operativo e spettava a noi creare metodologie e procedure: era una sorta di caos controllato. La frase che sentivamo di più dal nostro responsabile era: I don’t care how you do it, just get it done. Da un lato stimolante ma anche frustrante: da qui nasce l’idea di strutturare una realtà che potesse gestire progetti espositivi con cura, empatia e attenzione ai processi; la qualità del risultato sarebbe sempre stata una diretta conseguenza della qualità del processo precedente. 

Era agosto 2012 ed ero nell’ufficio del secondo piano a Palazzo Bembo, ricordo di aver acquistato alcuni domini internet un po’ a caso per un futuro sviluppo. Ci vollero altri 3 anni circa per dare vita a We Exhibit e ancora ci sono un sacco di prospettive di sviluppo. 

Mi sono reso conto di quanto fosse fondamentale per i vari espositori avere referenti di produzione in loco preparati e soprattutto di fiducia, di quanto fossero alte le aspettative di chi voleva portare progetti a Venezia e delle complessità di gestione per persone che si trovano magari a migliaia di chilometri di distanza. 

Diventare imprenditori non è mai un cammino facile. 
Le responsabilità verso le persone che lavorano con noi e la paura di non riuscire ad evolvere pongono sfide quotidiane. 


Cosa ti ha fatto più paura e cosa ti ha spronato a continuare il percorso imprenditoriale?


Davide De Carlo: Il tempo sottratto agli affetti e alla cura di se stessi, il costante impegno per raggiungere e stabilizzare la tanto ambita "work-life balance”, sono aspetti che ogni imprenditore, prima o poi, si trova a valutare. Non senza una certa dose di tormento. Tali aspetti hanno assunto nel tempo un certo peso nel bilancio delle energie, per me ed i miei soci. Vedere che, lentamente ma costantemente, poniamo le condizioni per noi e per i nostri collaboratori, affinché ognuno possa essere realizzato nel lavoro e fuori dal lavoro, mi sprona a continuare il percorso imprenditoriale.

Padiglione Messico, Arsenale di Venezia, 2018

Vedere che, lentamente ma costantemente, poniamo le condizioni per noi e per i nostri collaboratori, affinché ognuno possa essere realizzato nel lavoro e fuori dal lavoro, mi sprona a continuare il percorso imprenditoriale.

Se pensi ai primi anni di attività, qual è il ricordo più significativo che porti con te?


Nicolas D'Oronzio: Il burnout che ho avuto nel 2013. Lo considero un momento significativo perché, per la prima volta, mi sono confrontato con i miei limiti e con una parte di me che, per molti mesi, aveva represso quasi completamente quei segnali della mente e del corpo che mi invitavano a rallentare per completare il lavoro in modo più sostenibile. Infatti, il giorno dopo la conclusione degli opening, ricordo di aver percepito un vero e proprio crollo fisico e psicologico, che mi ha accompagnato per diversi mesi. Una lezione importante per gli anni futuri.

Ci sono progetti che rimarranno nel cuore



Dieci anni di attività, dieci anni ricchi di progetti che hanno visto la nostra azienda impegnata a collaborare con una miriade di persone, e personalità, da tutto il mondo. 
Ogni progetto, con il suo valore unico, ha rappresentato non solo una sfida professionale, ma anche una crescita personale e collettiva. Tra tutti, alcuni rimangono vividi nei ricordi.


C’è un progetto che considerate particolarmente emblematico? Perché lo ritieni speciale?


Nicolas D'Oronzio: L’installazione della Fenice di Xu Bing alle Gaggiandre in Arsenale, nel 2015. E’ stato un progetto estremamente complesso e per il quale non avevo alcuna esperienza o preparazione a quei tempi. Eppure questo non mi ha fermato, dimostrandomi, anzi, quanto si possa imparare velocemente confrontandosi con le complessità in modo attivo e lavorando con figure specializzate. 

Ricordo di aver fatto la follia di andare a recuperare del materiale a Milano necessario per la sospensione delle sculture con la mia auto e di aver passato almeno 15 minuti al telefono con l’ingegnere per capire come distribuire il carico nell’auto in modo che non si spezzasse in due durante il viaggio visto il peso completamente sovradimensionato per la sua portata.

Giovanni Dantomio: Il Padiglione Messico alla Biennale del 2015, con Tania Candiani e Felipe Ortega. A dicembre del 2014 Tania ci vide lavorare alla Venice International Performance Art Week a Palazzo Mora e sapendo di avere in ballo questo progetto ci disse: “Ho bisogno dei ragazzi con le felpe rosse!”

Davide De Carlo: “The Teaching Tree” di Muhannad Shono, per il Padiglione Arabia Saudita del 2022. Un intricato processo di co-progettazione e co-produzione per realizzare una grande installazione site specific, fatta di metallo, impianti pneumatici e controlli elettronici, foglie di palma, vernici, ingegneri, un magazzino che prese fuoco, manuali di istruzioni, manuali di distruzione, compressori d’aria, cavi, schizzi su carta, cavetti, disegni tecnici, assistenti di ogni genere e tipo. Eppure, sia il percorso che il risultato furono perfetti e strabilianti.

Storie di aneddoti e momenti indimenticabili



Nel corso degli anni, abbiamo avuto il piacere di lavorare con molte persone, non solo parte del nostro Team, ma anche di un ampio network di clienti, fornitori e collaboratori. 

Insieme, abbiamo condiviso esperienze indimenticabili, affrontando con complicità, mutua comprensione e solidarietà sia le soddisfazioni che le difficoltà, sempre mantenendo lo spirito di squadra. 


C'è un aneddoto divertente o un momento indimenticabile che rappresenta perfettamente lo spirito di questi dieci anni?


Nicolas D'Oronzio: Una foto di noi tre co-fondatori, ai tempi solo ex studenti in cerca di futuro. Senza avere particolari competenze tecniche, costruimmo una parete in legno che doveva reggere un’opera molto pesante e per capire se avrebbe retto, decidemmo di appenderci tutti e tre alla struttura, facendo un rapido calcolo della somma dei nostri pesi. Chiaramente resse! 

Giovanni Dantomio: Un cliente ci spiegò il suo progetto e io dissi: Ah, lo producete in quella area geografica? Mi raccomando, fate attenzione al voltaggio della corrente, lì avete 110v mentre qui ci sono 220v quindi assicuratevi che i macchinari che prenderete possano funzionare anche qui. Naturalmente arrivò tutto in 110v. 

Davide De Carlo: Quale ricorrenza aneddotica potrebbe rispecchiare almeglio lo spirito marinaresco di Venezia e le sue logistiche funambolesche, se non il divertente piacere di ricevere regolarmente richieste di accesso a ‘tal’ palazzo o ‘tale’ corte… via camion? E, subito dopo, scambiarsi uno sguardo d’intesa con il collega più vicino, lasciandosi andare ad una risata condivisa.

Se doveste descrivere We Exhibit con una sola parola, quale scegliereste e perché?


Davide De Carlo: Complicità. La complicità del nostro gruppo di lavoro contraddistingue lo spirito dell’azienda. E’ un fattore motivazionale rilevante che ci spinge a metterci alla prova e a migliorare costantemente, trasformando la collaborazione in energia condivisa.

Nicolas D'Oronzio: Penso che innovazione sia la parola che più contraddistingue la società. Un'innovazione in chiave “umana” oserei dire, nel senso che siamo sempre alla ricerca del migliorare non tanto un “prodotto”, quanto le interazioni fra tutte le persone coinvolte nei progetti. 

Giovanni Dantomio: Resourceful, perché in italiano bisognerebbe fare un giro di parole per spiegarlo.

Guardandoti allo specchio oggi, qual è il pensiero che ti rende più fiero e orgoglioso di quanto costruito?


Nicolas D'Oronzio: Vedere quanto questa realtà sia stata in grado di generare progetti e connessioni lavorative e personali fra le persone; osservare quante emozioni - negative e positive - animano l’azienda e quanto sia una realtà “viva” che evolve sempre e nella quale le persone generalmente possono trovare il proprio spazio. 

Giovanni Dantomio: Il fatto che i nostri clienti diventino dei veri e propri ambasciatori del nostro metodo e che siano i nostri promotori principali.

Davide De Carlo: Per ogni ruga e per ogni capello perso, vedo una difficoltà superata ma anche una persona da ringraziare, una persona parte di un network enorme di rispettabili professionisti che si allineano alla nostra cultura aziendale.

10 anni: un traguardo ma anche un nuovo inizio.



Nel 2024, abbiamo intrapreso un progetto di grande rilevanza: l'ottenimento della Certificazione sulla Parità di Genere, un impegno che rappresenta un investimento continuo nella nostra formazione, oltre a un segno tangibile del nostro impegno verso coloro che lavorano con noi e collaborano al nostro fianco.

Crediamo fermamente che il lavoro di squadra, la coesione e il rispetto reciproco siano alla base di una cultura che valorizzi l’aspetto umano di ogni individuo. 
Per questo ci dedichiamo a creare un ambiente inclusivo, in cui ogni persona possa crescere e arricchire le proprie competenze.

Un ringraziamento speciale a tutte le persone che hanno condiviso e continuano a condividere il nostro percorso. Grazie al contributo di ciascunə siamo arrivati a festeggiare questi dieci anni di successi, ambizioni ed evoluzione, con l’obiettivo di raggiungere insieme nuovi traguardi.



Una guida ricca di consigli utili per il tuo percorso di visita, curata da specialisti in exhibition design e da esperti della città di Venezia.

State cercando un'opportunità unica per immergervi nell'arte e esplorare i labirintici angoli e calli della suggestiva città di Venezia? Noi ve ne suggeriamo 16.

In questo contenuto dedicato, vi accompagneremo alla scoperta dei progetti che abbiamo prodotto e coordinato per l'edizione 2024 della Mostra Internazionale d'Arte - La Biennale di Venezia intitolata, per l'occasione, Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere, a cura di Adriano Pedrosa, in programma fino al 24 novembre.

Prima di iniziare il nostro viaggio insieme, vogliamo assicurarci che il vostro percorso di visita sia un'esperienza indimenticabile, fornendovi alcuni consigli pratici per vivere la vostra visita culturale.

Oltre Giardini e Arsenale
Non parliamo di un solo spazio espositivo. Visitare la Biennale significa anche scoprire Venezia e i suoi angoli nascosti. Molti padiglioni nazionali ed eventi collaterali si tengono in magnifici edifici storici al di fuori delle principali aree dell'Arsenale e dei Giardini. Ti consigliamo di prenderti il tempo per esplorare queste affascinanti location, ricche di storia e cultura, che si trovano al di fuori dei percorsi di visita tradizionali.

Spazi espositivi all'aperto
Durante la tua visita, preparati a camminare in aree scoperte. Venezia è una città all'aperto con pochi rifugi dagli agenti atmosferici, indipendentemente dalla stagione. Affronta giornate calde e soleggiate, così come momenti ventosi e piovosi. Le condizioni climatiche rendono Venezia una città unica. Quando pianifichi la visita, consulta le previsioni meteorologiche per essere pronto ad affrontare anche l'acqua alta, un fenomeno affascinante che può complicare il tuo itinerario.

Camminare per lunghi tratti
A seconda del numero e della loro collocazione, la visita agli spazi espositivi può richiedere molte ore. Inoltre, alcune zone potrebbero non avere posti a sedere o aree di riposo. Considera che durante il percorso potresti dover camminare a lungo, quindi ti consigliamo di indossare scarpe comode per goderti appieno l'esperienza senza inconvenienti.

Comfort durante la visita
In alcune aree espositive ci sono percorsi di ghiaia e terreno non pavimentato, che potrebbero non essere adatti a tutti i tipi di calzature. Scarpe comode ti permetteranno di muoverti agevolmente tra i vari spazi espositivi e la città di Venezia, nota anche per i suoi numerosi ponti con scalini.

Accessibilità
Alcune aree di Venezia potrebbero non essere facilmente accessibili a tutti i visitatori, specialmente a chi ha disabilità fisiche o viaggia con oggetti come sedie a rotelle e passeggini. Quando pianifichi il tuo soggiorno, ti consigliamo di verificare in anticipo le zone che intendi visitare e preparare un itinerario che tenga conto delle eventuali difficoltà di accesso.

Postazioni di Ricarica
I molti luoghi e spazi espositivi di Venezia offrono infinite opportunità per scatti fotografici e riprese video. Poiché non ci sono postazioni specifiche per la ricarica, ti consigliamo di portare con te un power bank o una batteria portatile extra. In questo modo, potrai fare tutte le foto e i video che desideri senza preoccuparti della durata della batteria del tuo telefono o della fotocamera.

Adesso che siamo pronti, iniziamo la nostra visita insieme. Prendi la nostra mappa a portata di click e partiamo!

Padiglione Arabia Saudita, Shifting Sands: A Battle Song, Biennale Arte 2024, Arsenale, Venezia

Battello: Fermata Arsenale

Dopo una breve camminata per raggiungere l'ingresso e il tempo necessario per catturare scatti panoramici, possiamo finalmente entrare ed iniziare il nostro tour con la visita al Padiglione Arabia Saudita e Shifting Sands: A Battle Song, progetto solista di Manal AlDowayan, tra le artiste contemporanee più significative del paese. 
Entrando nello spazio espositivo, sarete affascinati dalle imponenti sculture a imitazione di rose del deserto, realizzate in foam e seta grezza, che evocano la delicatezza e il simbolismo della rosa del deserto. Oltre alla bellezza estetica, il progetto coinvolge il visitatore per il suo contenuto, che parla di trasformazioni culturali e del ruolo delle donne nel paese. Camminando tra un elemento e l'altro, vi perderete nella scoperta di storie serigrafate e testi che riflettono l'immagine delle donne attraverso la lente mediatica.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Padiglione Messico, 'As we marched away, we were always coming back...', Biennale Arte 2024, Arsenale, Venezia

Attraversando l'accesso laterale al Padiglione Arabia Saudita, il nostro percorso di visita prosegue con la presentazione del Padiglione Messico con 'As we marched away, we were always coming back...'. 
All'interno dello spazio, grandi schermi narrano scene di vita migratoria, incorniciando una grande tavolata imbandita con scintillanti porcellane bianche. Il colore degli oggetti si accende con i riflessi circostanti, assumendo diverse sfumature a seconda dell'immagine riflessa e dell'angolazione da cui li osserviamo, sottolineando l'opportunità di acquisire esperienze attraverso l'interazione con culture diverse. Erick Meyenberg, l'artista protagonista, ci invita a riconsiderare la migrazione come una costante nelle esperienze umane, rivelando l'importanza e il ruolo del fenomeno migratorio come fonte di contaminazione e arricchimento.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Padiglione Turchia, 'Hollow and Broken: A State of the World', Biennale Arte 2024, Arsenale, Venezia

Uscendo dallo spazio, ci dirigiamo verso le scale dell'edificio, dove potrete visitare il Padiglione Turchia con 'Hollow and Broken: A State of the World', un progetto espositivo che utilizza opere scultoree di grandi dimensioni per rappresentare ambientazioni 'a pezzi' e vuote, simbolo di un mondo colpito da guerre, migrazioni, pericoli ambientali e nucleari. Questo progetto esplora le complesse questioni socio-politiche contemporanee del paese attraverso narrazioni personali e storiche dell'artista, uno dei più rappresentativi nel panorama contemporaneo greco.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Padiglione Senegal, 'Bokk - Bounds', Biennale Arte 2024, Arsenale

Ci lasciamo alle spalle il Padiglione Turchia e proseguiamo il nostro tour ripartendo dagli spazi a piano terra con la visita al Padiglione Senegal e 'Bokk - Bounds', progetto solista dell'artista Alioune Diagne. Attraverso un pointillisme contemporaneo, l'artista ci presenta scene di vita quotidiana nel paese, segnato da costanti fenomeni migratori, dovuti anche ai cambiamenti climatici. Al centro dello spazio, una grande canoa spezzata cattura lo sguardo dello spettatore, invitandolo a riflettere su questo tema, più che mai rilevante nella vita odierna.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Padiglione Malta, 'I WILL FOLLOW THE SHIP', Biennale Arte 2024, Arsenale, Venezia

Proseguiamo alla rotta del padiglione Padiglione Malta con I WILL FOLLOW THE SHIP dell'artista Matthew Attard. 
Una volta dentro lo spazio, sarete immersi nella scoperta di grandi pannelli interattivi che narrano una serie di rotte navali attraverso segni distintivi. Questa esposizione esplora il legame tra il mare e la religione, offrendo una potente metafora di speranza e sopravvivenza. Il progetto invita i visitatori a riflettere sulla necessità di riformulare le modalità di azione e convivenza, al fine di navigare con successo le acque inesplorate della società dell'informazione.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Padiglione Libano, 'A Dance with her Myth', Biennale Arte 2024, Arsenale, Venezia

Attraversando Malta, ci imbattiamo nel Padiglione Libano, dove l'artista Mounira Al Solh con 'A Dance with her Myth' ha creato un suggestivo spazio espositivo a metà strada tra mito e realtà. 
La sua installazione multimediale unisce pittura, disegno, scultura, ricamo e video, rivisitando racconti mitologici e offrendo ai visitatori prospettive alternative alla storia del paese.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Padiglione Filippine, 'Waiting Just Behind the Curtain of This Age', Biennale Arte 2024, Arsenale, Venezia

Infine, lungo lo stesso tragitto, il nostro percorso di visita prosegue con la scoperta del Padiglione Filippine. Qui troviamo il progetto solista 'Waiting Just Behind the Curtain of This Age' dell'artista filippino Mark Salvatus, che invita a riflettere sulla politica quotidiana e sulla narrazione storica nazionale. Il tutto avviene in un'atmosfera mistica, arricchita da suoni e strumenti musicali a fiato, con proiezioni della flora della foresta su uno schermo.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Padiglione Uzbekistan, 'Don't Miss the cue', Biennale Arte 2024, Arsenale, Venezia

Usciamo dal corridoio espositivo e attraversiamo gli spazi esterni e ghiaiosi del suggestivo Arsenale per raggiungere il Padiglione Uzbekistan. 
Una volta dentro, ci immergiamo nella suggestiva installazione di Aziza Kadyri, che ricrea l'atmosfera di un backstage ispirato alle Case della Cultura dell'Eurasia del XX secolo.
Nel buio della sala, iniziamo a esplorare l'ambientazione teatrale, con sculture create da bozzetti di costumi tradizionali integrate con materiali audiovisivi realizzati dal Collettivo Qizlar. L'artista ci invita a 'Don't Miss the cue', riflettendo su temi cruciali come migrazione, decolonizzazione, linguaggio, invisibilità sociale e il rapporto tra tradizione e tecnologia.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Padiglione Cina, 'Atlas: Harmony in Diversity', Biennale Arte 2024, Arsenale, Venezia

Ultimo progetto che potrete scoprire in Arsenale è  'Atlas: Harmony in Diversity' del Padiglione Cina. Questa esposizione invita a raccogliere e riunire diverse identità, razze, credenze, concetti e culture, creando opportunità di comunicazione e comprensione reciproca.
L'idea di armonia e simbiosi della cultura cinese è rappresentata dal carattere “集”, che mostra tre uccelli su un albero. Come verbo, “集” significa raccogliere e riunire, mentre come sostantivo indica una collezione di arte o conoscenza. Entrambi gli usi sottolineano l’importanza dell’integrazione e del dialogo, valori fondamentali che il Padiglione Cina vuole trasmettere attraverso questa esposizione.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Padiglione Finlandia, 'The plasure we choose', Biennale Arte 2024, Giardini, Venezia

Usciamo dallo spazio espositivo Arsenale e ci dirigiamo verso Giardini per la visita del Padiglione Finlandia e 'The plasure we choose'. Questo progetto presenta il lavoro di tre artiste: Pia Lindman, Vidha Saumya e Jenni-Juulia Wallinheimo-Heimonen. Le loro opere, ispirate da esperienze personali, esplorano gli squilibri strutturali, ambientali e sociali del mondo attraverso diverse tecniche e mezzi, celebrando il piacere della sfera personale come un potente mezzo per abitare, immaginare e reinventare mondi plurali.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Momento di riposo, perché il nostro tour continua.

Come accennato, la Biennale non si limita ad accogliere progetti espositivi nei soli spazi di Arsenale e Giardini. Numerosi appuntamenti, tra padiglioni nazionali ed eventi collaterali, si svolgono in splendidi palazzi e luoghi della città normalmente non accessibili al pubblico, offrendo un'occasione unica per scoprire patrimoni alternativi, al di fuori delle "mura" tradizionali.
Dopo una pausa di riposo (e di lettura), riprendiamo il nostro percorso per esplorare i progetti a cui abbiamo avuto il piacere di contribuire con i nostri servizi.

Padiglione Cile, 'Cosmonación', Biennale Arte 2024, Magazzino n. 42, Marina Militare, Arsenale di Venezia, Fondamenta Case Nuove 2738/C, Venezia

Non lontano dall'ingresso dello spazio dell'Arsenale, ci dirigiamo verso i Magazzini dell'Arsenale. Qui possiamo visitare il Padiglione Cile con 'Cosmonación' dell'artista Valeria Montti Colque. 
Il fulcro dell'esposizione è una maestosa scultura alta oltre cinque metri, raffigurante una montagna, simbolo di rifugio sicuro per esiliati e rifugiati. Intorno ad essa si crea un ambiente multisensoriale con figure in ceramica, pezzi tessili e proiezioni video, invitando i visitatori a immergersi in un'esperienza unica e coinvolgente.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Tomokazu Matsuyama: Mythologiques, Biennale Arte 2024, Magazzino No. 41, Marina Militare, Arsenale, Fondamenta Case Nuove, 2738/C, Venezia

Nelle vicinanze del Padiglione Cile è possibile visitare anche la mostra 'Mythologiques' dell'artista Tomokazu Matsuyama. Questa esposizione è un viaggio attraverso immagini e colori vibranti che esplorano la complessità della società globalizzata. Le opere presentano scene fantastiche della vita contemporanea, unendo l'iconografia dell'antico Giappone con i canoni occidentali in una forma originale di pop art americana.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

Padiglione del Sultanato dell'Oman, 'Malath-Haven', Biennale Arte 2024, Palazzo Navagero Gallery, Castello 4147, Venezia

Tornando ai Padiglioni Nazionali, segnaliamo che per la sua seconda partecipazione alla Biennale di Venezia, il Sultanato dell'Oman ha scelto di collaborare con noi per la produzione di 'Malath-Haven', progetto collettivo vede la partecipazione di cinque artisti: Alia Al Farsi, Ali Al Jabri, Essa Al Mufarji, Sarah Al Olaqi e Adham Al Farsi. 
Ispirandosi al concetto di “malath” (porto in arabo), la mostra invita i visitatori a intraprendere un viaggio metaforico e artistico, esplorando i temi dell’eredità multiculturale, dell’identità, dell’appartenenza e della diaspora. Attraverso diverse forme artistiche, le opere riflettono sulla profonda storia di accoglienza e rifugio dell’Oman, celebrando la ricchezza degli scambi culturali e la forza delle connessioni umane.

Visitabile fino al 24 novembre 2024

'About Us', Tracey Snelling for the The Human Safety Net, Biennale Arte 2024, Procuratie Vecchie, San Marco

Se siete a Venezia, non potete assolutamente perdervi Piazza San Marco e il magnifico campanile. Girate lo sguardo verso la Torre dell'Orologio e sotto i portici di questa incantevole piazza troverete l'ingresso allo spazio espositivo delle Procuratie Vecchie, che ospita all'interno The Human Safety Net e la mostra 'About Us' dell'artista Tracey Snelling.
Entrando nello spazio, il vostro sguardo sarà catturato da torri di piccole case attaccate insieme per rappresentare grandi città moderne. Queste strutture, in qualche modo alienate, progettate dall'artista, racchiudono una miriade di mondi e narrazioni in cui ognuno di noi può trovare interpretazioni o identificarsi.

Visitabile fino al 24 marzo 2024

'Jim Dine: Dog on the forge', Biennale Arte 2024, Palazzo Rocca Contarini Corfù

Ci dirigiamo verso il Ponte dell'Accademia per ammirare uno degli scorci più belli della città e sul Canal Grande. Dopo esserci dedicati a qualche scatto da immortalare, continuiamo la nostra visita culturale in città.
Solo fino alla fine di luglio, non perdere la mostra 'Jim Dine: 'Dog on the Forge' ospitata all'interno del meraviglioso Palazzo Rocca Contarini Corfù. Qui l'artista Jim Dine presenta grandi installazioni create appositamente per questa edizione della Biennale, insieme a dipinti e sculture mai esposti prima. La mostra include 32 opere d'arte, tra cui dipinti, disegni, sculture in bronzo e legno.

Visitabile fino al 21 luglio 2024

'ULYSSES, we are all heroes', Biennale Arte 2024, Fondacion Valmont, Palazzo Bonvicini, Venezia

Ciò che ci affascina dell'arte contemporanea è la sua capacità di offrire opportunità di rivedere i classici e di presentare nuove prospettive. Questo è evidente alla Fondacion Valmont a Palazzo Bonvicini, che presenta con il nostro contributo 'ULYSSES, we are all heroes' un affascinante progetto che riunisce le opere di quattro artisti internazionali: Gayle Chong Kwan, Stephanie Blake, ISAO e Didier Guillon. Questi artisti reinterpretano e rivisitano il racconto classico dell'Odissea in una chiave contemporanea. 
Esplorare questo progetto significa intraprendere un viaggio concettuale di meraviglia e contemplazione.

Visitabile fino al 23 febbraio 2025

Il nostro tour alla scoperta della città di Venezia e dei progetti che abbiamo curato per questa edizione della Biennale termina qui. 
Ci auguriamo che la nostra guida editoriale sia stata di vostro gradimento e possa arricchire la vostra esperienza durante la visita dal vivo.

Vi invitiamo inoltre a portarci con voi e a consultare la nostra mappa disponibile a questo link, per esplorare ulteriormente la città e il suo patrimonio. 
Non dimenticate di scattare foto e taggarci lungo il vostro percorso: saremo lieti di condividere i vostri momenti sui nostri canali social. 

#ArtIsInTheProcess e ora buona visita!


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Giulia Barigelli
Communication Manager


Visitare La Biennale d'Arte 2024: uno sguardo all'exhibition design

Quante volte, entrando in uno spazio espositivo, ci siamo sentiti rapiti dal potere dei colori dell’allestimento?
Visitare una mostra d'arte è un'esperienza coinvolgente, un viaggio attraverso sensazioni e ispirazioni.  Mentre gli sguardi si perdono ad ammirare le opere d'arte che popolano pareti e stanze di musei, gallerie e spazi espositivi, spesso trascuriamo il ruolo essenziale del colore nell'ambiente circostante.

Sebbene le opere d'arte siano il cuore pulsante della scena, il contesto cromatico aggiunge valore e arricchisce l'esperienza di visita.

Gli studi sulla psicologia e la percezione del colore rivelano l'importanza di questo elemento nell'influenzare le nostre emozioni e la nostra visione del mondo.
I colori vanno ben oltre il mero aspetto estetico; sono potenti strumenti di comunicazione che influenzano il nostro comportamento e il nostro stato d'animo, agendo come un linguaggio universale che comunica direttamente con il nostro subconscio. 

Nel mondo dell'arte, i colori sono veicoli di significato e associazioni, riflettendo la simbologia dell'artista e il suo stile distintivo. Pensiamo al celebre "blu Klein" o al vibrante "rosso Tiziano". 
Ogni colore evoca emozioni profonde e suscita sensazioni intense, contribuendo a rendere ogni visita un'esperienza unica e memorabile.

Come affermò Josef Albers (Bottrop, Germania 1888 – New Haven, Stati Uniti 1976), tra i principali rappresentanti dell'astrattismo geometrico del Novecento, conosciuto per gli “incastri” cromatici delle sue opere:"Nella percezione visiva, un colore è quasi mai visto come realmente è, ma come appare in relazione al contesto circostante e alle esperienze individuali."

Il colore, infatti, è strettamente legato alle nostre percezioni individuali e all'ambiente che ci circonda, dando vita a un dialogo emozionale e sensoriale unico che arricchisce il nostro vissuto.

“I colori sono degli esseri viventi, degli individui molto evoluti che si integrano con noi e con tutto il mondo.”  
Yves Klein 
(Nizza, Francia 1928 – 
Parigi, Francia 1962) 

Nel mondo dell'exhibition design, la comprensione delle proprietà del colore è fondamentale per creare progetti espositivi coinvolgenti. Infatti, un'attenta progettazione cromatica può veramente rivoluzionare l'esperienza del visitatore, trasformandola in qualcosa di straordinario.
Vediamo come.

Oltre l’opera d’arte

La progettazione dello spazio espositivo va ben oltre la semplice disposizione delle opere d'arte, e le decisioni riguardanti i colori non sono mai casuali; vengono ponderate con attenzione e strategia.
Possono enfatizzare il tema della mostra, creare atmosfere coinvolgenti o mettere in risalto opere specifiche.

L'uso di colori caldi può essere essenziale quando si desidera creare un'atmosfera intima e accogliente, mentre l'adozione di tonalità più fredde può suggerire uno spazio più ampio, anche se a volte a rischio di rendere l'ambiente asettico e privo di vitalità.
Un corridoio con colori vivaci può guidare il percorso di visita, indicando ai visitatori la mostra in ottica di progressione. Allo stesso modo, differenziare i colori nelle diverse sezioni dell'esposizione può contribuire a delineare specifici temi o mettere in risalto le opere esposte, garantendo coerenza nel percorso espositivo.
Mentre, l'uso di colori audaci può suscitare sensazioni di straniamento e oppressione, indirizzando il visitatore a provare determinate emozioni e sensazioni.

Considerando la complessità di questo tema, abbiamo pensato di condurvi in un tour cromatico speciale attraverso alcuni dei progetti che abbiamo seguito nel corso degli anni, per avvicinarci a una comprensione più approfondita.


Immaginate di varcare la soglia di uno spazio pervaso da tonalità accese e vibranti: quale sensazione vi susciterebbe?

Padiglione Messico, Infraestructura utópica: La cancha de básquetbol campesina, La Biennale di Venezia, Architettura 2023

Nel 2023, abbiamo collaborato alla realizzazione di un'installazione straordinaria per il Padiglione Messico: un campo da basket rurale, dipinto con audaci tonalità di giallo e blu, posizionato nel suggestivo scenario del Salone delle Armi dell'Arsenale di Venezia. 
I vivaci colori utilizzati catturano l'attenzione del pubblico e il nostro sguardo all'osservare questo scatto. Un progetto realizzato per stimolare la nostra riflessione su temi importanti della storia sociale del paese.

Un giallo vibrante ed abbagliante lo ritroviamo anche nel Padiglione Turchia del 2021. 
Qui, il colore delle pareti e le luci intense appiattiscono gli spazi circostanti, creando una sensazione straniante. È un'installazione realizzata per evidenziare il legame tra il quotidiano e il contesto mondiale, suggerendo un ruolo più attivo per l'architettura nel mondo contemporaneo.


Padiglione Turchia, Architecture as Measure, La Biennale di Venezia, Architettura 2021

Parlando di sensazioni di straniamento, non possiamo non menzionare il progetto seguito nel 2022 a Venezia: "Alice in Doomedland", una mostra tematica organizzata a Palazzo Bonvicini dalla Fondation Valmont e dai curatori Luca Berta e Francesca Giubilei. 
Questa rivisitazione contemporanea di "Alice nel Paese delle Meraviglie" è stata concepita per guidare il visitatore in un viaggio interiore, tra oggetti dalle dimensioni non ordinarie, scritte luminose al neon e giochi di contrasto cromatico. È un viaggio fatto di sensazioni, dove il viola scuro selezionato evoca ciò che è nascosto nell'inconscio, mentre il giallo simboleggia la luce e la consapevolezza di sé.

Alice in Doomedland, Palazzo Bonvicini, 2022

Infine, la nostra visita ci porta in un mare di blu brillante, proprio come quello del Padiglione Belgio del 2018.
Un grande anfiteatro che occupa l’intero l'edificio ci accoglie e ci invita a riflettere sulle molteplici questioni affrontate dall’Unione Europea in quegli anni, e tuttora contemporanee.
Il blu, rilassante e ispiratore, conferisce allo spazio un'aura di santuario. Un ambiente adatto ad accogliere folle di persone, ma allo stesso tempo, uno spazio intimo che consente ai singoli visitatori di percorrere il proprio cammino di ricerca. 

Padiglione Belgio, Eurotopie, La Biennale di Venezia, Architettura, 2018 

Come abbiamo visto dalle referenze proposte, l'impiego di specifiche tonalità può diventare un potente strumento per arricchire e migliorare l'esperienza globale di una mostra d'arte, permettendo ai visitatori di connettersi in modo più profondo con le opere esposte e di condividere un'esperienza significativa e memorabile.

E tu, hai visitato una mostra o un progetto che ti ha colpito particolarmente per la sua scelta cromatica?

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Giulia Barigelli 
Communication Manager

La curatela del colore: guidare l'esperienza del visitatore nell'Exhibition Design

“Tradizionalmente la voga alla veneta non nasce come sport ma come mezzo di trasporto legato alle dimensioni e alle particolari caratteristiche della laguna e della città.  L'aver ridotto la voga alla veneta a semplice pratica di svago e sport ha comportato un generale impoverimento culturale nella cittadinanza: il numero dei vogatori capaci alla circolazione interna è oggigiorno minimo, i veneziani si muovono su barche a motore senza saper come incrociarsi e circolare nei canali con una barca mossa a remi, ignorando l’effetto delle correnti, del vento, e delle onde.” Affermano i soci di Venice on Board.

We Exhibit, attraverso la sua partecipazione al Bando LoVE! Land of Venice, presentato da Cescot Veneto quale capofila, ha identificato Venice on Board come realtà veneziana da supportare e divulgare. Nel dettaglio, l’azienda ha reputato importante non solo riuscire a mettere a disposizione le proprie competenze nell’ambito dell'allestimento, ma anche cercare di creare un ponte tra la stessa Venice on Board e la Fondazione Querini Stampalia. Nello specifico il progetto si è focalizzato, da un lato, sul riallestimento della sede di Venice on Board, in grado di restituire all’associazione uno spazio “rinnovato” capace di accogliere e comunicare la propria natura ai visitatori e, dall’altro, sulla realizzazione di un evento inaugurale che potesse dare modo ai partecipanti di approfondire le proprie conoscenze su Venezia, attraverso le opere della Fondazione Querini, avendo anche l’occasione pratica di sperimentare la “voga alla veneta”. Venice on Board e Fondazione Querini Stampalia sono due realtà estremamente eterogenee, ma accomunate dall’essere veneziane nell’essenza e dall’essere vettori di cultura, alla ricerca costante del dialogo coi giovani.

La Fondazione è una realtà culturale unica a Venezia. Il palazzo nel cuore della città custodisce preziose collezioni storiche e opere di grandi artisti e architetti contemporanei. Antico e moderno, passato e presente in continua relazione: nella Casa Museo, nella ricca Biblioteca, negli ambienti ridisegnati da Carlo Scarpa, Valeriano Pastor, Mario Botta, Michele De Lucchi. Molteplici sono gli echi della storia, reinterpretati alla luce della contemporaneità. La visita al museo e agli archivi è un viaggio reale e immaginario nell’arte e nella storia sociale di Venezia. Fra i pittori da non perdere Giovanni Bellini, Palma il Vecchio, Pietro Longhi, Gabriel Bella, Giambattista Tiepolo, ma anche Canaletto, Domenico Tintoretto, Caffi, Ciardi, Martini, Viani. Gli straordinari documenti d'archivio permettono inoltre di scoprire e approfondire aspetti storico sociali della vita di una antica e nobile famiglia: la politica e  il ruolo pubblico, gli affari, gli affetti, l’educazione dei figli, gli svaghi.

L'associazione Venice on Board ASD nasce nel 2014 dall'idea di tre giovani veneziani, accomunati dalla passione per tutto ciò che riguarda le tradizioni nautiche lagunari e veneziane. L’associazione promuove la tecnica tradizionale di voga, la vela al terzo tipica degli ampi spazi lagunari, e le tecniche di carpenteria legate al recupero e restauro delle barche tradizionali. Le attività didattiche di Venice on Board si inseriscono in questo orizzonte: imparare a governare una barca a remi veneziana e a muoversi nel traffico dei canali in modo da tramandare questo sapere legato a Venezia e al suo ecosistema acqua-uomo, un patrimonio immateriale che rischia di svanire. L’associazione conta già oltre 400 soci, ma il suo obiettivo costante è quello di riuscire ad ampliare sempre di più il bacino di curiosi, appassionati ed amanti, soprattutto giovani, anche grazie a questa collaborazione con la Fondazione Querini Stampalia e We Exhibit.

"[...] il numero dei vogatori capaci alla circolazione interna è oggigiorno minimo, i veneziani si muovono su barche a motore senza saper come incrociarsi e circolare nei canali con una barca mossa a remi, ignorando l’effetto delle correnti, del vento, e delle onde.”

Querini On Board, "La tradizione dell'acqua"

From Visitor Studies to Experience Design: dalla ricerca alla progettazione è un corso breve che unisce ricerca e progettazione: dall’osservazione e dall’ascolto dei pubblici alla creazione di esperienze efficaci negli spazi museali e culturali. Comprendere chi sono le persone che visitano i musei, come vivono gli spazi culturali e quali bisogni esprimono (o non esprimono) è il primo passo per progettare esperienze significative. I Visitor Studies offrono strumenti e metodi di ricerca per analizzare comportamenti, aspettative, barriere e motivazioni del pubblico; l'Experience Design traduce questi dati in percorsi e pratiche che rendono la visita coinvolgente e accessibile.


- Introdurre ai Visitor Studies e ai principali metodi di ricerca sui pubblici
Riconoscere bisogni, aspettative e barriere che incontrano le persone

- Applicare i dati raccolti alla progettazione di esperienze

- Sperimentare strumenti pratici di experience design

- Progettare visite più coinvolgenti, accessibili e memorabili

Il corso combina lezioni frontali con attività laboratoriali, alternando teoria e pratica. La facilitazione professionale accompagna il lavoro di gruppo, supportato da strumenti e simulazioni che favoriscono il confronto e la rielaborazione dei contenuti. Pause, momenti di discussione e conviviali consentono di consolidare quanto appreso e favorire la conoscenza fra le persone partecipanti.

Tutte le informazioni relative al programma del corso e i docenti che terranno gli interventi saranno pubblicate a dicembre 2025.

Lezioni, workshop e interventi a cura di:

Monica Calcagno (Professoressa Associata di Gestione delle Imprese presso la Venice School of Management dell’Università Ca’ Foscari Venezia), Maria Chiara Ciaccheri (Museologa; We Exhibit), Dana Mitroff Silvers (stratega di human-centered design; Designing Insights), Mary Zurigo (docente, progettista culturale e mediatrice museale; Z.E.A. Zone di Esplorazione Artistica).

- Puoi iscriverti fino al 23 gennaio 2026, o fino a esaurimento posti. 

- La tariffa di iscrizione è di 330 euro. 

- Puoi annullare la tua iscrizione in qualsiasi momento. Se ci avvisi almeno 30 giorni prima dell’inizio del corso, ti rimborseremo la quota (meno 30 euro di spese amministrative) entro 5 giorni lavorativi. Se cancelli dopo questo termine, il rimborso non è previsto, ma potrai partecipare gratuitamente a un altro corso a tua scelta tra quelli in programma.  

- Il corso si terrà in presenza a Venezia, presso sedi differenti che saranno comunicate contestualmente alla conferma e al programma. 

- Al termine del corso, tutte le persone partecipanti riceveranno via email un attestato di partecipazione in formato PDF e le dispense utilizzate dai docenti. 

Per ulteriori informazioni o domande puoi consultare la sezione FAQ (disponibile anche in versione Screen Reader) o scrivere a formazione@weexhibit.biz.

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